Dette er den første internasjonale utstillingen av samtidskunst og scenedekor, og er en begivenhet i teatrets historie. Norsk Teaterforbund er glade for at Norge skulle vært valgt som utstillingssted, og organisasjonskomiteen er henrykte over omfanget og den høye kvaliteten på utstillingene. De fleste land med rike teatertradisjoner er representert, men vi beklager for at noen få land som har gitt et viktig bidrag til utviklingen av scenisk kunst og scenedekor, f.eks. Russland, er ikke med oss på denne gunstige anledningen. Vi er spesielt glade for å ønske velkommen til de franske utstillerne som har en seksjon som så verdig representerer et land med gamle og ærverdige tradisjoner innen scenedekorasjonen.

Teaterdesignerens kunst er gammel, men dens betydning har aldri vært større enn i det siste halve århundret. Aldri før har den moderne scenen presentert et så mangfoldig drama; de ansvarlige for den kunstneriske siden av sceneproduksjonen står overfor den krevende oppgaven av å samarbeide med den sceniske kunstneren for å produsere en bakgrunn til forfatterens ord, i harmoni med atmosfæren i stykket, dets miljø og dramatikerens intensjoner. I gamle dager var sceneproduksjoner langt mer rigide og mer standardisert: fra dramatikkens opprinnelse og fram til begynnelsen av 1800-tallet spilte det som kan kalles scenearkitektur en viktigere rolle enn scenisk dekor, og selv i forrige århundre var ikke den sceniske kunstnerens arbeid så mye en kunst som et håndverk. Teatrets utvalg av scenedekor var smalt og noe uniformt. Det er noen som mener at gamle dager var best fordi de talte ord til skuespilleren led ingen konkurranse fra andre naturskjønne kunster. Det er riktignok produsenter og scenemalere som formørker det talte ordet med sine forseggjorte innretninger og blendende lover, og dermed tilslører snarere enn å understreke intensjonene til dramatikeren, men generelt får det talte ordet større fremtreden enn noen gang før. En produsent og scenisk kunstner bør ha fantasi, smak og skjønn; fantasien hans skulle hjelpe ham til å tolke forfatterens intensjoner så nøyaktig som mulig uten å gi rom for hans egne personlige særegenheter.

En produksjon kan løse seg opp i en dragkamp mellom dramatikeren, produsenten og den sceniske designeren, men den kan også oppnå en fusjon i perfekt harmoni. Moderne scenisk design har utvilsomt gitt teatralsk produksjon, skjønnhet og variasjon, og gitt en fryd for øyet og en hvile for sinnet som dessverre manglet i det gamle teateret. Det kan like gjerne oppstå en konflikt mellom den sceniske designeren og skuespilleren, for de samme lyseffektene er ikke like smigrende for spillerne og settingene de opptrer i. Det er like viktig å unngå et sammenstøt av kostyme og dekor.

Scenisk maler er først og fremst ansvarlig for å oppnå den harmonien og tilpasningsevnen som dramaet krever ved hjelp av sin faglige kunnskap om scenen. Når vi nærmer oss emnet vårt, må vi også skille mellom staffelimaleren som av og til maler for teatret, og scenemaleren som er en scenisk kunstner av yrke, selv om sistnevnte godt kan prøve seg på staffelimaleriet fra tid til annen.

Staffelimalerens styrke ligger i farge og komposisjon, mens hans svakhet har en tendens til å ligge i det rent tekniske. Fra teatrets synspunkt ville idealet være en scenisk kunstner som ved siden av sine tekniske kunnskaper og sine praktiske kunnskaper også hadde en delikat fargesans.

Samme resultat kan selvsagt oppnås av en staffelimaler som har fullført læretiden på kunstskolen og tilegnet seg den nødvendige teknikken i yrket som scenisk maler. Besøkende vil her se begge typer teatermalerier: vanligvis på en utstilling som denne den sceniske maleren eller forestillingen med best effekt i modellsett, og staffeli-maleren i fargeskisser. En mann knyttet til teatret sa en gang at den beste dekoren er den som forsvinner, det vil si den som publikum knapt legger merke til. Dette er kanskje en liten overdrivelse, men én ting er sikkert: en innredning skal aldri trenge inn til ulempen for dialogen, handlingen og skuespillet. En dekor skal presentere en rikt variert, men harmonisk tilværelse for skuespillerens tolkning av rollene deres, på en slik måte at fjerning eller erstatning av den med en annen setting ville forringe den generelle effekten. I noen produksjoner kan innredningen til og med uttrykkelig brukes for å slå en skurrende tone, forutsatt at dette oppnås med delikat og bevisst kunstnerskap. Posisjonen til maleren og kostymedesigneren har blitt så viktig at mange sceniske malere ikke bare designer kostymene, men til og med fremstår som fullverdige produsenter. På den annen side hender det at produsenten foreslår innredningen og til og med i noen tilfeller maler den selv. Produksjonen har i økende grad blitt et resultat av intimt samarbeid mellom de ulike kunstene. Til enhver tid er det imidlertid greit å huske at ordet og dets fortolkere er forestillingens «være alt og enden alt». På vegne av Norsk Teaterunion ønsker jeg alle utstillere og besøkende til utstillingen hjertelig velkommen.

Axel Otto Normann, President av Norsk Teater Union